Musique, instruments, chansons, BLOG ZIK !

Pour ma dernière chronique avec blog-zik, j’ai choisit de finir par un feu d’artifice avec le dernier volet de la trilogie du rideau rouge de l’australien Baz Luhrmann, “Moulin Rouge” était une oeuvre ambitieuse et folle, démesurée donc risquée, baroque et se voulant comme le musical ultime. Casting de poids, budget costumes et décors conséquents et donc une BO de folie, qui convoque Craig Armstrong, Madonna, Christina Aguilera, David Bowie, Marilyn Monroe, Police et j’en passe dans un feu d’artifice de couleurs, de sons et de fureur.

Ah ça, on peut dire que Zack Snyder est un réalisateur qui divise. Accusé de n’être qu’un simple faiseur, assez doué, et d’enchaîner les adaptations d’œuvres reconnues en les dépouillant de leur moëlle (ce qui n’est pas tout à fait faux), le bougre draine aussi une solide communauté de fans. Il pensait bien, avec “Sucker Punch” et son scénario original, s’affirmer comme un auteur. Si le film n’est pas raté et constitue un moment assez fun, il confirme aussi les limites de son auteur. Mais dans son délire, il avait décidé d’accorder une importance particulière à la musique, manière de contrôler de bout en bout son oeuvre. Sa BO est en grande partie composée de reprises ré-arrangées par son complice Tyler Bates (un compositeur assez médiocre au style bourrin) et Marius De Vries (compositeur de “Moulin Rouge”, référence assumée de Snyder). Un duo qui s’en sort pas mal dans cet exercice casse gueule.

Le problème avec Mel Gibson est à peu près le même qu’avec Dieudonné : on ne peut pas prononcé son nom sans déclencher des réactions épidermiques aux arguments éculés et hors sujets. Car oui, depuis ses déclarations chocs et ses frasques diverses, l’ancienne star est devenu un paria. Ainsi, après le carton mondial de “La passion du Christ”, produit et réalisé tout seul par un Gibson tournant le dos aux studios, Mad Mel avait toute latitude pour faire un film d’aventures puissant, bluffant, unique et à la mise en scène viscérale : “Apocalypto”. Et retrouver 13 ans après le compositeur James Horner, qui signe là son meilleur ouvrage de la décennie.

Même si c’est mon 2ème billet sur une de ses BO, James Horner ne fait pas partie de mes préférés de la spécialité. Mélodies simplistes, fortes tendances à la répétition d’un film à l’autre, pas beaucoup de musiques révolutionnaires ou expérimentales mais une sacrée collection de récompenses quand même puisque ce dernier est souvent amené à travailler sur des films mainstream et en lice pour les Oscars et autres, nouvelle preuve de son côté consensuel. Mais il faut aussi être honnête et reconnaître que, tout au long de sa longue carrière (il a fait ses débuts en 1978 à 23 ans), il a quand même signée quelques BO de qualité, apportant une vraie plus value par ses notes (“Aliens”, “Willow” et ce film là notamment).

Pour prendre la suite de Ridley Scott 7 ans après le 1er volet, les producteurs de la 20th Century Fox ont choisis James Cameron comme réalisateur (il fût choisit avant la sortie de “Terminator” et la mise en chantier d'”Aliens” a été repoussé le temps qu’il finisse ce dernier). Afin d’imprimer un style différent du film précédent (grosse exposition, peu de plans du monstre, une ambiance claustro limite théâtrale avec un décor unique), ce dernier opte pour un film de guerre total. Le compositeur change également puisque la légende Jerry Goldsmith laisse la place à James Horner, qui comme lui, a travaillé sur la saga “Star Trek”. Ce dernier signera une BO évidemment plus martiale et puissante.

Il aura suffit d’un seul film pour lancer la carrière de Clint Mansell, musicien et chanteur anglais qui démarra dans le cinéma après la séparation de son groupe Pop will eat itself. Déjà à l’oeuvre sur la BO de “Pi”, le 1er film de Darren Aronofsky, il collabore à son 2ème film, qui n’aura guère plus de succès en salles que le précédent qui atteindra un statut d’oeuvre culte auprès des jeunes de l’an 2000 : “Requiem for a dream”. Acclamé par la critique, le film doit une grande part de sa réussite formelle à sa BO, véritable petit bijou à la mélodie entêtante et qui deviendra un standard très vite récupéré par la TV et les trailers de cinéma et de jeux vidéo.

Plus connu pour ses collaborations avec J.J Abrams (“M:I III”, “Star Trek”, “Super 8” au cinéma, les séries “Alias”, “Lost” et “Fringe”), Michael Giacchino collabore régulièrement avec le studio Pixar puisqu’il a déjà signé 2 BO pour eux (“Les Indéstructibles” et “Ratatouille”, tout deux signé Brad Bird) avant d’être engagé pour celle de “Là-haut”, le nouveau projet un peu fou du studio. Oui, car ce projet a pour pitch les aventures exotiques d’un veuf retraité de 78 ans. Ce qui aurait suscité une indifférence polie dans n’importe quel studio se voit crédité içi d’un budget de 200 millions de $. Encore faut-il savoir émerveillé le spectateur tout en lui donnant une bonne dose d’émotions diverses. Le studio livrera içi son meilleur film, un chef d’oeuvre ultime alliant perfection technique, ingéniosité du scénario et décharges d’émotions pures.

Si dans les années 2000 le film de super-héros est devenu une habitude, il a souvent eu droit à un traitement musical assez peu à la hauteur si ce n’est sur la franchise “Spider-Man” (avec Danny Elfman à la baguette), le 1er épisode de la saga “X-Men” (par Michael Kamen) et sur la saga “The Dark Knight”. Le reste du temps, la musique était une simple illustration de combats blindé d’effets numériques et souvent dépourvu d’âme, notemment à cause de scores trop plats ou convenus. Henry Jackman est le 5ème compositeur à travailler sur la saga “X-Men” au cinéma (5 films à ce jour). Le film de Matthew Vaughn a valeur de test pour lui (après “Kick-Ass”, il doit transformer l’essai avec un blockbuster) et pour une franchise moribonde (un 3ème épisode en dessous de tout et le spin-off sur Wolverine complètement raté). Pour la musique, il fait appel à un jeune compositeur anglais, qui a déjà pas mal travaillé pour les studios auprès de grands noms : Henry Jackman.

1994. Voilà désormais 8 ans que le studio Disney revit par la grâce de quelques réalisateurs de talent qui ont fait d’un studio au nom clinquant, mais sous respirateur artificiel, le mastodonte de l’animation mondiale. “Aladdin” avait passé la barre des 200 millions de $ au BO US, “La belle et la bête” avait décroché une nomination à l’Oscar du meilleur film mais il faut faire encore plus fort. Le studio prépare 2 films : l’un mineur et l’autre appelé à devenir un chef d’oeuvre absolu. Mais bon, ce sont des estimations de costards-cravates et le public va se charger de leur rappeler qu’il reste seul maître de ses goûts.

Le studio Disney a signé son grand retour d’un point de vue artistique et côté finances, rien à dire. Et pourtant, il va encore aller plus haut. Le nouveau projet du studio est l’adaptation d’un conte arabe ayant pour héros un jeune voleur des rues nommé Aladdin qui va réveiller un super génie qui lui accordera 3 voeux. Le parolier Howard Ashman signait là sa dernière participation à un film Disney avant sa disparition en 1991 et la plupart de ses chansons ne nous sont pas parvenues car le script a subi d’important changement durant les 3 années de développement. Il sera remplacé par Tim Rice et la qualité continuera d’être au rendez-vous, toujours avec le fidèle Alan Menken à la baguette.

La sortie de “La petite sirène” étant un triomphe, le studio est désormais relancé d’un point de vue artistique et financier. Le second duo créatif à l’oeuvre sera donc Kirk Wise et Gary Trousdale, qui arrivent sur un projet déjà bien avancé, l’adaptation d’un autre conte européen : “La Belle et la Bête” de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont. Au départ assez noire, l’adaptation retrouve des couleurs avec l’arrivée sur le projet du duo gagnant Alan Menken-Howard Ashman, le compositeur et le parolier déjà à l’oeuvre sur le film précédent. Tout est prêt pour concocter un film qui marquera le petit monde de l’animation et qui replacera définitivement le studio sur le devant de la scène.

Si le film de Michael Mann présente un souffle épique aussi fort et une capacité inouïe à vous soulever les poils les bras, il le doit en grande partie au score de Trevor Jones qui signe un thème principal tout simplement sublime, depuis pourri par son utilisation abusive au sein d’un show télé bien nase (et qui a heureusement disparu), mais qui reste, dans le contexte du film, une réussite totale. L’accouchement de la BO et du film ont en outre été douloureux et Randy Edelman est venu prêté main forte à la baguette. Car oui, la BO de “Le dernier des Mohicans”, aussi belle soit-elle, est une oeuvre amputée, tout comme le film.

Sortit il y a tout juste 20 ans (le 9 ocotbre 1992 en sortie quasi-mondiale) le film “1492, Christophe Colomb” de Ridley Scott fêtait le 500ème anniversaire de la découverte de l’Amérique par le navigateur gênois (oui, parce que le viking Eric Le Rouge l’avait fait 2 siècles avant lui mais comme il était pas aller le clamé tout fort sur CNN et Bloomberg, personne s’en souvient), mais il marquait aussi les retrouvailles du réalisateur avec celui qui avait composé la musique de son “Blade Runner” en 1982. Il a donc la lourde tâche d’illustrer musicalement ce film qui sera un bide cosmique à sa sortie. Au contraire de sa BO qui deviendra un classique dont la qualité surpasse celle du film.